序論：寫作是一種深度的自我表達。它要求我們深入探索自己的思想和情感，挖掘那些隱藏在內心深處的真相，好投稿為您帶來了七篇電影攝影與制作范文，愿它們成為您寫作過程中的靈感催化劑，助力您的創作。

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    在美國的高等影視院校中,以紐約大學電影學院和南加州大學電影學院最為著名。而這兩所影視院校,也有著不同的特點。紐約大學電影學院因為與百老匯臨近,表演、導演、劇作專業教學實力很強;南加州大學電學影院則素有“好萊塢的后備人才基地”之稱。美國的影視專業課程具有豐富、細化、專業含量高的特點,學生擁有很大的自主選擇空間。例如紐約大學影視系劇作方向要求學生選修3門課程,有11門課程可供選擇;制作基礎課程要求選修4門課程,有23門課程可供選擇;制作技術更是有47門之多的課程供選擇,僅動畫方向課程就有包括數字動畫技術、初級、高級3D動畫、故事板等14門動畫技術課程。學生可以根據自己的興趣愛好選擇某一專業方向,也可以在本專業搭建的主修專業平臺上輔修其他學科的課程。因此,學生的自主能動性得到極大的發揮,各方面潛能可以被充分地挖掘。南加州大學電影學院(以下簡稱“南加大電影學院”)的教育具備很多美國本土的特色。下面我們著重分析介紹南加大電影學院的部分課程與教學方式,以點帶面,了解一下美國的影視教育。南加大電影學院數年在全美國電影電視制作方面排名中名列第一。學院下設五個專業:影視制作、動畫、互動媒體、劇作、評論。在這五個專業中,影視制作是該校最具影響力的招牌專業。南加大電影學院的核心教學思想就是培養影視制作人員,而不是大藝術家或大導演,因而定位不是精英培養。影視制作是綜合導演、制片、攝影、錄音和剪輯等課程于一體的專業,學生只需選修其中一部分課程。該專業比較重視培養學生的專業實踐能力,實踐課比較多,幾乎沒有純理論課程。該校影視制作專業設有本科和碩士兩種學位。影視制作專業的教授都有非常豐富的實踐經驗,使學生可以學習到各種實踐技能。南加大電影學院的影視制作的課程體系由綜合制作、專業方向和聯合作業三類課程組成。

    1.綜合制作類課程

    綜合制作類課程中最有代表性的是“507制作一”和“508制作二”,這是兩門必修課。507是影視制作基礎課。要求學生使用一件數字DV設備和一套學生用的燈具拍攝5分鐘左右的故事短片,不需要同期錄音。制作周期平均每周一個,共需完成5至6個。完成后在課上演示,教授進行點評。因為整個制作過程中包括編寫劇本、挑選演員、確定拍攝地點、找幫手、搬送器材、拍攝和剪輯等所有的工作,這都需要每個學生自己獨立完成,所以沒有影視制作經驗的學生大多數被累得暈頭轉向。所有的技術問題,都是通過邊做、邊學、邊問的方式解決的,所以在課程開始階段,學生們往往很狼狽。在完成507課程后,學生就會對影視制作有一個非常直觀的感性認識。508與507不同,要求學生兩個人一組,合作完成兩部電影短片。兩部短片中,兩個人分別作編導和攝影剪輯,然后在另一部短片中調換職位。這種以項目為驅動的“邊實踐邊學習”的教學思路,充分體現了美國影視制作專業的教育理念。“507制作一”和“508制作二”后面的很多專業方向類課都是要求修完這兩門課程之后才能修。

    2.專業方向類課程

    這類課程主要包括導演、制片、攝影、剪輯、錄音的課程。修完“507”和“508”之后,學生可以選擇一個方向的課程主修,也可以選修一些其他課程。不是所有的課程都是在“507”和“508”完成后才能選修,比如電影市場運作、視覺表現、電視制作、電影美術、視覺特技等課程。每個專業方向都有幾門專業必修課,例如在攝影方向的課程共有五門:(1)彩色攝影。這門課程主要學習鏡頭、光圈、景深、色彩等一些攝影的基本知識。在課堂上教授會安排一些手動功能的相機拍攝人像、靜物等專題練習。最后是一個題材自定的創作作業,時間比較充裕,最后在課堂上做演示并闡述自己的創作思路。(2)電影攝影機。這門課程相當于“初級電影攝影”,比較系統地學習電影攝影的基礎知識,包括攝影機、燈光、鏡頭、色彩控制、焦點、影調控制、感光度等各個方面。該課程只在第一節課全部講述專業知識,其余課程主要是課堂作業,每次上課時間為3小時,分配1小時講授知識點、分析作品、點評學生作業,另外2小時在學院影棚完成課堂作業,作業內容是模仿電影中一段精彩鏡頭的影調和照明效果。學生要分2至3個小組,每個組7到8人,輪流做攝影指導、掌機、攝影助理、燈光組長、燈光助理、電工和演員。(3)電影攝影實踐。這門課程主要分三個階段:第一階段是綜合訓練,目的是掌握構圖、影調、燈光、色彩的綜合運用。這個階段主要是課外作業,方式是教授設定一個簡單的故事情節,學生們自行發揮,使用照相機拍攝,交5~10幅一組照片來表現這個情節,上課是學生演示作業和教授點評。第二階段是學習使用高清攝影機和各種外圍設備,由專業攝影技師講解,然后是分組作業,方式與“電影攝影機”課程相似。第三階段是學習使用阿萊電影攝影機完成幾組課堂作業和一組課外作業。(4)中級電影攝影。研究生課程更加系統地學習電影攝影的知識與技能,主要分為兩部分。一是學習光學、攝影機構造、鏡頭原理與構造、影調、運動攝影、燈光照明、色彩控制、濾鏡等方面的理論知識,內容比“電影攝影機”深入很多。二是實踐作業,方式和“電影攝影機”課程的相似。(5)高級電影攝影。研究生課程,內容和“中級電影攝影”基本相同,區別是作業使用35毫米膠片電影攝影機。

    3.聯合制作類課程的教學方法

    這類課程是一個班學生共同完成一個影視項目,學生分別擔任劇組中導演、制片人、攝影指導、美術指導、錄音師、剪輯師等職位。原則是競爭上崗,在這個領域誰最強,誰就“上崗”。因為競爭的不僅是崗位,還有教授的個別指導。對于每個學生從某種意義上來說,這種學習的機會是不均等的。

    4.畢業創作

    畢業創作的時候。如果學生家庭的經濟實力雄厚,可以選擇自己當導演,自費拍攝一部畢業作品。也可以選擇尋求贊助拍攝,擁有資金來源的學生有決策權。不要求每一名學生都當導演,只要在一部畢業作品中擔任過導演、制片、攝影、美術、剪輯等主創職位,就可以畢業了。

    二、器材的管理

    南加大電影學院有大量的影視器材需要管理。南加大的器材由器材中心統一管理,實行“制作號”管理制度,器材中心對每門課使用器材的時間、數量和規格都有規劃,并給每門課的每個學生都編制了工作號。學生借器材要提前24小時預約,中心會提前準備好器材,放在中心外面的小推車上,每個小推車貼一個有工作號的表格,學生來取器材時,就可以將有自己工作號的小推車上的器材全部取走。還器材時不需要和工作人員當面交接,只要把借的器材放在一輛小推車上,然后貼上有工作號的表格,就可以離開了,這樣能大大提高工作效率。

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關鍵詞：3D立體影視技術；概念；成像技術；制片技術

目前，在世界范圍內，人們對于電影的娛樂性有著很高的要求。在這樣的一個大環境當中，3D立體影視技術得到了飛速的發展，并且為相關影視方面的從業人員帶來了豐厚的利潤。觀察近幾年來我國上映的3D影視大片，如《阿凡達》《鋼鐵俠3》等，都為影院帶來了巨大的經濟回報。鑒于此種情況，開展針對3D立體影視的研究工作，在我國影視行業當中有著非凡的意義。

1 3D立體影視技術的概念

人們常說的3D立體影視技術，簡單地說，就是使用一定的特殊技術開展對影視作品的拍攝、制作和放映，觀眾在觀看這種作品的過程當中，會呈現出立體視覺影像，有身臨其境的感覺。實際上，3D立體影視技術在觀眾眼中呈現立體影像的科學原理并不復雜，就是人類的眼睛存在有同一物體的觀測距離差，所以同一個物體在人兩眼的視網膜上所呈現的像也會有所不同。而在視網膜當中所呈現的像依靠大腦的處理之后，人們就可以對物體的方位等產生清晰的認識，由此感受到影像的立體感。3D立體影視技術的實現就是利用仿生學理論，模仿人類在不同視角當中對同一物體的觀察，并且同時在一個屏幕上播放，再使用一定的影視制作后期技術手段，讓人的雙眼捕捉到對應的畫面，由此使得人們在觀影的過程中身臨其境。

2 3D立體成像技術的發展

使用電腦技術渲染與創作3D影片，必須要利用電腦3D軟件當中的雙鏡頭虛擬攝像功能。而在需要實景拍攝的3D影片當中，就必須使用雙路攝影機完成此項工作。具體的操作辦法有兩種，一是使用兩臺攝像機進行拍攝，并利用專業的支架設備，將兩臺攝像機連接在一起，由此達到同步拍攝的目的；再有就是使用雙鏡頭一體攝像機，這種攝像機所拍攝出來的畫面自身就具有3D影像效果，其原理是模仿了人類雙眼的工作方式，攝影機的兩個鏡頭同時記錄畫面。無論是選擇以上的兩種拍攝方式的哪一種，在拍攝的過程當中，技術人員都需要反復對攝影機攝像頭之間的距離進行調試。簡單地講，兩臺攝影機之間的距離即為雙鏡頭攝影機的中軸線。如果雙機平行時兩個鏡頭的光軸之間的距離相等，則兩臺攝影機共同拍攝所形成的夾角便是雙攝影機鏡頭的中心間隔距離。兩臺攝影機之間的距離對于畫面成像中所產生的立體感程度有很大的影響。按照當下攝影1：50的行業間隔距離要求，在平時進行雙機拍攝的過程當中，兩部攝影機之間的間隔距離應和“前景和主題”到鏡頭距離和135畫幅相機鏡頭焦距之間所形成的比例相等。

使用支架來對兩部攝影機進行連接，其優勢在于兩部攝影機之間的距離可以進行較大范圍的調整，該種拍攝方式可以滿足全部的拍攝需求。但是，在雙鏡頭一體機當中，兩個鏡頭之間的距離是始終恒定不變的，間隔距離相對較低，同時不方便調整，一般情況下連攝影機機身寬度的一半都不到，常用的雙鏡頭攝影機機身長度大約在65厘米左右。因此，為了讓雙鏡頭攝影機對不同距離的拍攝物進行拍攝，只能憑借調整焦距完成不同物體的最好立體成像視覺效果。因為能夠進行調試的距離范圍極低，所有雙鏡頭攝影機對于超遠或超近物體的拍攝有很大的困難。在使用雙鏡頭攝影機拍攝之后，必須要依靠一定的后期技術來完成對影像的景深調試。除此之外，劇組為了讓拍攝效果達到最佳，會在開展拍攝活動之前，讓攝影機對人眼觀察事物的方式進行模擬，并使用影像匯聚技術開展拍攝活動，即兩部攝影機都朝著內部傾斜至一定的角度，由此強化影視拍攝中的立體程度。但是使用此種方法，只可以使用雙攝影機，并憑借支架來進行操作，雙鏡頭一體機就無法使用這種方法。

3 制片技術的差異

筆者經調查研究發現，常見的3D影視制作公司在制作3D立體電影的過程中，經歷的流程有以下四種：第一是使用三維動畫制作技術，憑借電腦，使用相關的三維動畫制作軟件開展對動畫片的渲染，如《大圣歸來》《功夫熊貓》等；第二種是實景拍攝與CG技術相互結合的3D影視技術，即首先使用3D攝像機對實體進行拍攝，之后再使用CG技術，把拍攝內容與CG技術融合在一起，由此呈現出3D影片，人們所熟知的《鋼鐵俠3》便是此種類型的電影；第三是利用虛擬技術對現實電影進行拍攝，簡單地說，就是使用影像合成技術，將電腦渲染制造的虛擬空間和演員在綠色或者藍色背景的虛擬演播室當中所進行的動作表演融合起來，該技術也是當前世界范圍內最為先進的3D立體電影拍攝技術，人們所熟知的電影《阿凡達》便是使用了此項技術；最后一種技術對老電影影片進行翻新處理，也就是2D電影轉換為3D電影，近期上映的《泰坦尼克號》便屬于這種電影。

在上述的3D電影制作技術當中，由于2D電影轉換為3D電影是使用電腦軟件模擬，讓影片出現立體感，所以在立體影像成像效果方面必定有所欠缺。盡管如此，這種老電影翻新的方式在短時間內還是對目前世界范圍內的3D影視作品起到了一定的彌補作用，為需要進行3D觀影的觀眾提供了片源。

當前，使用次數最多的應為三維動畫技術與實景拍攝加上CG技術。在此當中，三維動畫電影只需要在原有的三維動畫之上，憑借雙鏡頭的電腦軟件渲染就可以制作完成了。該技術的原理非常簡單也非常成熟，在動畫制作過程中，對于環境的需求最小。因此，動畫影片在目前3D電影市場當中占有最高的比例，僅在去年就有《大圣歸來》等諸多國內外優秀3D動畫電影上映。

實景拍攝加CG技術所制作的3D電影可以實現立體影像對實物以及真人的記錄，在此基礎上，使用非線性編輯軟件，可以對雙眼圖像開展同步編輯，再依靠CG技術，就可以給影像加上3D特效了。在使用該技術的過程當中，CG技術的精細程度對影片的質量會產生最為直接的影響，這在很大程度上增加了該種電影的制作成本和制作難度。

4 結語

在當前這個泛娛樂化的時代，觀看電影已經成為一種時尚。而在這樣的一個大環境當中，3D立體影視技術得到了飛速的發展，國內院線越來越多地上映一些優秀的3D影視作品，專業影視人員對于3D電影的未來發展也持樂觀態度。相信在不遠的將來，3D立體影視技術能在我國建立完善的技術標準，得到更好更快的發展。

參考文獻：

[1] 陳雙寅.淺析常見3D立體影視技術的類型差異[J].上海師范大學學報（自然科學版），2013（03）：248-253.

[2] 董種晨.常見3D立體影視技術的類型差異[J].西部廣播電視，2014（13）：153-154.

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一、實踐教學的概念及起源

實踐教學方法是當代教學理論中十分重要的一個方法。從高等教育到學齡前教育，這一方法在教育領域中都得到了廣泛的認可和運用。而“實踐教學”這一概念最早起源于美國的教育家約翰•杜威(JohnDewey)。約翰•杜威(1859－1952年)，美國哲學家和教育家，被譽為“美國最偉大的哲學家”和“進步教育（ProgressiveEducation）之父”，又被譽為“美國十大偉人之一”和“近代四大哲學家之一”。他1879年畢業于佛蒙特大學，1884年獲約翰•霍普金斯大學哲學博士學位。他在美國密歇根大學、明尼蘇達大學、芝加哥大學、紐約哥倫比亞大學擔任教授多年從事教學工作，還擔任過美國心理學聯合會、美國哲學協會、美國大學教授聯合會主席。1896年他創立一所實驗中學作為他教育理論的實驗基地，并任該校校長。杜威一生撰寫了大量的著作，包括《我的教育主義》《學校與兒童》《民本主義與教育》《實驗邏輯》《創造的智慧》等，在他的教育思想中反對傳統的灌輸和機械訓練的教育方法，主張從實踐中學習。提出教育即生活，學校即社會的口號。其教育理論強調個人的發展、對外界事物的理解以及通過實驗獲得知識。

杜威以教育即“生活”、“生長”和“經驗改造”的理論為基礎，提出“從做中學”的教學論思想。傳統觀念認為教學就是傳授知識。然而杜威認為學生從教師口中被動聽來的知識不是真正的知識，這種教學方法只能抑制學習者的活力和阻礙其創造才能的發展。而正確的方式應該包含以下五個方面：（1）學生要有一個真實的經驗的情境，即要有一個對活動本身感到興趣的連續的活動；（2）在這個情境內部產生一個真實的問題，作為思維的刺激物；（3）他要占有知識資料，從事必要的觀察；（4）他必須負責一步一步地展開他所想出的解決問題的方法；（5）他要有機會通過應用來檢驗他的想法，使這些想法意義明確，并且讓他自己去發現它們是否有效。杜威指出，能否“引起思維”是傳統教學方法與他的方法的根本區別。

基于杜威的教學思想，美國的全國教育組織聯合會曾推出一項十年計劃，在全美范圍內大力宣傳從實踐中學習，并由此改造美國的舊教育，建立了延續至今的新體系。杜威的思想不但影響了美國的教育，也影響了全世界包括中國在內的許多國家。1919年5月1日，約翰•杜威到上海，在中國住了兩年零兩月。他到中國后第二年，就受聘為北京大學哲學教授及北京高等師范教育研究科教育學教授。從20年代起，杜威的教育思想就對中國的教育產生了全面和深遠影響。

二、影視創作實踐教學與課程設置

實踐教學對于電影創作教學中的重要性，在北京電影學院一直都是備受重視的。而實踐教學思想在教學活動中的貫徹體現首先在于課程的設置。50年代建院初期，針對新構架起的電影攝影藝術課，吳印咸曾建議把該課涵蓋的全部內容分解成幾個單元，根據教師的所長分單元研究備課，并強調“理論講授不宜太多，適可而止，要多一些安排作業，在作業實習中加強基本功訓練和掌握”，“教師的專業基本功也能在指導實習中得到加強”①。在理論和實習的比例安排上：《攝影技巧》，授課時間：一學期，講授與實習的比例1∶3；《電影畫面的光線處理》，授課時間：一學期，講授與實習的比例1∶5；《新聞紀錄、科教片攝影創作》，授課時間：一學期，講授與實習的比例1∶5；《故事影片的攝影創作》，講授與實習的比例1∶5；《特技攝影與特殊攝影》，講授與實習的比例1∶5。這一方案在及后來的時期被迫中斷，改革開放之后，電影學院的實踐教學體系又被迅速地恢復了起來。北京電影學院在2007年參加高校教學評估時，總結了多年來的實踐教學經驗和理論，提出了“北京電影學院的實踐教學”，并在2009年莫斯科格拉西莫夫電影藝術學院成立90周年國際電影教育論壇上，提交了題目為《北京電影學院的實踐教學體系》的論文。今天，在北京電影學院的課程設置中，除學科基礎課程和歷史批評類的課程外，大部分的專業基礎課和專業課都是包含實習的。在重要的專業課程中，理論與實習的比例基本達到1∶1。以電影攝影專業為例，在其所包涵的所有44項課程及項目中，含實習項目的課程占了17項，占38.6%，而學分比重達到了64%。以上課程的設置，正體現了60多年來的教學中，北京電影學院發展出適合中國特色的電影教學思想，即“正方向、厚基礎、重電影、強技能”。而這種教學思想在具體教學方法上的體現，就是實踐教學體系，即通過實踐教學加強學生的技術基礎和技能培訓，使學生成為具有職業電影制作能力的專業人才。

與北京電影學院一樣，約翰•杜威的實踐教學理論對美國的大學教育產生了深遠的影響。在電影制作專業的學習中，“實踐是學生學習理論的最好方式”，對于這一點，我所采訪的紐大和南加大的幾位教授都一致認同。AngeloPaci?ci教授在采訪中強調過南加大電影教育的一個概念“onthe?oor”，即：電影“在拍攝中”，意指通過拍攝實踐來推動理論的教學，讓復雜的理論變得直觀，不以空洞的理論迷惑學生。在南加大和紐大這樣的美國大學電影教育中，能通過實踐理解的知識，教師就不會僅僅停留在理論的講述上。許多實踐性課程的教學，往往整個學期都是在攝影棚或者后期機房中完成的。因此學生對于電影各方面的認識也更多基于實踐中獲得。在所有課程中，代表美國綜合大學通才教育基本思想的核心制作課是完全以實踐推動理論的方式來進行的。在一年級的《單幅與連續畫面》課程中，學生要使用圖片蒙太奇學習基本的敘事和拍攝技巧。課程強調現場工作的安全性和規則，介紹照相機和電影攝影機的功能，照明的基本知識，敘事結構以及構圖。序列影像通過FinalCutPro在蘋果工作站上完成。每周課上學生要交流制作信息，展示作品，教師負責作業講評以及數字編輯的講解。學生要分為4人一組共用學校提供的數字單反相機。測光表、基本燈具和錄音設備也由學校指定提供。每個學生都要完成序列畫面敘述的故事，并幫助同組成員。

在二年級的《電影視聽基礎課》中，學生要分成4人一組，每人拍攝5部非同期聲的黑白反轉片短片。頭3部為默片；第4部可以使用動效或敘事音樂；第5部允許使用多軌聲音。學生應按技術指導逐步完成逐項練習，但也鼓勵其表達個人的創意。每個學生不僅要完成自己影片的劇作和導演，還要在別人的作業中輪流擔任不同的職務。學生要學會保持自己的表達方式時又能與他人合作。作業要在課上放映并接受教師和同學的點評。三年級的《中級核心制作課：敘事制作工作坊》是一門完全實踐性的課程。在這門課中學生被分為4人一組，通過實習和班級討論來接觸和了解多方面的制作技術。每組學生要完成4部彩色同期短片，以探索和學習工藝、創作和制作方面的知識。作為小組成員，每個學生都要輪職做導演、制片、錄音、燈光和攝助。四年級的《核心制作課：制作工作坊I和II》一門為期一年的課程，分兩個學期完成，參加的先決條件是學生必須完成中級制作工作坊的學習。希望在這一實踐課程中擔任導演的學生必須在中級工作坊中擔任過導演，完成最終剪接和混錄，并經過相關導師的確認。除此之外，其還應該在課程開始前準備好以正規劇本格式打印的劇本，以提供給全班進行討論。影片類型不限。經選定的方案會獲得拍攝許可。學校建議希望在拍攝中擔任具體職員（制片人、攝影師、剪接、錄音等）的學生應與各自的導演形成組合后參加這門課程。對于最終完成片，限制長度為20分鐘。紐大制作專業的學生按課程要求必須獨立或參與完成一共15部完整的學生短片。在電影攝影專業要學習的40門課程中，含實習項目的課程有16項，占其總課程的40%，占學分比重49.6%。有一點值得注意的是，紐大制作專業的很多課程實習學時是多于理論學時的。例如在《攝影機II》中，理論講授只有6周，而拍攝實習長達9周。此外，紐大和南加大的實習往往是和教師的理論及演示交替進行的。即：講解示范—實習—再講解示范—再實習。在這一過程中如果學生犯了錯誤，可以通過分析講評在下一次實踐中修正。如果我們將北京電影學院和紐大的電影制作的相關課程做一個對比就可以看出：北京電影學院除學科基礎課程和歷史批評類的課程外，大部分的專業基礎課和專業課都包含實習。在重要的專業課程中，理論與實習的比例基本達到1:1。在電影攝影專業的所有44項課程及項目中，含實習項目的課程占了17項，占38.6%，而學分比重達到了64%。

紐大電影攝影專業含實習項目的課程有16項，占其總課程40項的40%，占學分比重49.6%。由此看來，紐大有實習的課程項目百分比略多于北京電影學院，而這些課程所占的學分比又低于電影學院。但有一點值得注意的是，紐大制作專業的很多課程實習學時是多于理論學時的。此外，紐大和南加大的實習往往是和教師的理論及演示交替進行的。即：講解示范—實習—再講解示范—再實習。在這一過程中如果學生犯了錯誤，可以通過分析講評在下一次實踐中修正。而電影學院的方式更傾向于一次性完成理論講授后，再進行實踐。學生如果犯了錯誤，教師會在作業講評中指出，但往往沒有機會在課程中修正錯誤。在作業的形式方面，紐大制作專業的學生按課程要求必須獨立或參與完成一共15部完整的學生短片，而電影學院攝影系的學生獨立或參與完成的完整短片也就在5～6部左右，而其它大量的都是作為專業訓練的片斷練習。電影創作的教學就是實踐的教學，在這一點上，電影學院和南加大及紐大的認識是非常一致的。但在具體操作上，美國的大學比我們更注重實踐。正如飛行員的培養是以飛行小時計算而不是聽課量，繪畫、音樂、表演和攝影這一類藝術人才的培養也應該是基于大量的練習和實踐的。在電影技術迅速數字化，實習成本大幅度降低的前提下，我們是否可以借鑒美國大學的經驗，進一步貫徹電影學院實踐教學的思路，提高實踐比例，精煉理論講授，讓學生在技術控制、語言把握、合作能力和工作熟練程度上都有大幅提升，讓電影學院的專業教學地位得到進一步強化。

三、影視實踐教學與教師隊伍

除課程設置之外，實踐教學理念的貫徹和實施，也是通過教師對學生的學習實踐組織、指導和評判來完成的。如果只有實踐的理念而沒有實踐的指導者，這一理念就會變為空談。“教員沒有實踐經驗或者只有較少的實踐經驗能不能搞實踐教學，我們說也能。但是這種從理論介入實踐的教學靠的是一種推論和間接經驗，這對于電影攝影這樣的專業教員是難以實施的，而絕大多數一線專家沒有受過專門的教學訓練，即便他在實踐中多么叱咤風云，沒有長時間積累的教學經驗，也是很難勝任教學工作的。所以，最好的辦法，就是讓我們現有的既具備教學能力，又具備專業理論素養和實踐技能的教員去大量參與實踐創作……”②“藝術與技術教育的特殊性，要求師資首先要有多年豐富的實踐經驗，第二要有耐心與愛心，手把身教，教藝育人。所以，在師傅帶徒弟時期和國外院校的影視教育教師，多是45歲以上的，從創作、制作第一線上下來的專業人員。”③

在北京電影學院，為了保證教學不只停留在理論研究的層面，讓制作前沿最新的知識和經驗能夠進入到教學當中，學院多年以來都一直鼓勵教師在保證教學的前提下從事藝術創作活動。以攝影系為例，在職的教員中有一半以上都是電影、電視、廣告的從業者。為了讓教學和創作不發生沖突，攝影系在課程安排上將教師的工作集中到一年中的一個時段，使教師可以在這一時段中全身心地投入教學。在完成教學后，教師又可以在剩下的時段中全身心地投入創作。從而使教學和創作成為了相互促進而非相互干擾的良性循環。在教學中，教師總能夠將自己最新完成的作品、總結的經驗，對最新技術和設備的了解及時地介紹給學生。當學生的創作碰到困難的時候，教師也總是能引導其用最實用、最貼近實際創作的思路和方式來解決。北京電影學院實踐教學方法的貫徹，使其與其它高等院校的影視創作教育相比具有明顯的優勢。學院的畢業生在創作能力上具備比較成熟的掌控能力。很多畢業生在畢業后數年內就能進入影視、廣告和MV的創作一線，成為創作的中堅力量。這也是在中國的電影高等教育中，北京電影學院的專業教育區別于一般大學的影視教育的重要標志之一。在教師的構成上，南加大電影藝術系和紐大帝旭藝術學校與北京電影學院的情況很相似。南加大和紐大把他們所具有的大量有創作經驗的教師看做其高質量電影教育的標準，也是這兩所學校及加州大學洛杉磯分校、美國電影學院所代表的美國電影專業第一梯隊區別于美國眾多開設電影制作專業的院校的重要標志。“像電影學院一樣，我們的教師大都是專業人士，他們的工作密度相對較小，或者是有一些外延的工作。

他們并非學者，除了從事批評研究的老師之外。我們聘請了很多電影專業人員來任職，如管理剪輯試驗室，跟學生一起實習，還有所有技術方面的問題。他們非常重要，不可或缺。然而我們對于教員的要求是，無論他們教授什么科目，一定要盡職盡責，完滿、優秀地來完成他們的教學任務。因此，所有（身為學校教員的）攝影師、導演等都要去身體力行的拍電影。從事批評研究的老師們需要著書論作，需要去做研究。我們不希望教師只有理論，沒有實踐。舉例來說，劇作部主任杰克•埃普斯(JackEpps)，他編劇的電影有《壯志凌云》(TopGun)、《狄克翠西》(DickTracy)、《法網神鷹》(legalEngels)等。他的作品遠不止我們目前看到的，他從未間斷過寫作。我們的劇作部副主任去年也有兩部影片（編劇）參加了圣丹斯電影節。他們所做的只是取之于斯，用之于斯。他們也需要謀生，（當他們去拍電影時）我們會讓他們找一個代課老師，直到他們回來為止。我們從未要求他們必須擁有學術文憑，除了批評研究的教師之外，我們也要求他們去從事一些批評工作。”④在我所采訪的南加大和紐大的七位教師中，除了JohnTintori是全職的行政管理者兼教師外，其他的六位都是教學和創作兼顧的專業人士。其中SandiSissel是美國最著名的女性攝影師，是美國電影攝影師協會ASC的會員，拍攝過許多故事片，具有豐富的電影創作經驗。ChristopherChomyn是好萊塢著名的青年攝影師，他與導演格溫•溫內（GwenWynne）拍攝電影《早期的美國》（AmericanPrimitive）時，由于對于超16拍攝寬銀幕畫幅以及在數字中間片方面出色的實踐，被2008年4月的InCamera雜志采訪和推廣。

對于電影創作實踐教學而言，具備創作和教學能力的教師的在教學中意義是不可替代的。然而，現實的情況是一個有實踐能力的電影工作者在教學中所能獲得的報酬遠遠低于他們在創作時的收入。因此只有那些足夠優秀的影視院校，能給予工作者學術榮譽和學術水平與創作者能力相當的院校，才能將那些具有創作能力的人才吸引到學校來，成為教師的一部分。在這一問題上，北京電影學院、南加大和紐大的教學組織者的看法是一樣的，而教員的構成情況是也一樣的。

四、影視實踐教學與硬件環境

實踐教學理念在電影創作教學中要得以實現，除具備了實踐課程和有實踐經驗的教師后，學校還必須具備實踐的條件和環境。北京電影學院作為一所政府出資的公辦學校，在過去十年中隨著中國經濟的成長，在硬件配備上獲得了煥然一新的發展。各系各專業都將教學實踐設備更新到了世界一流的專業級水平。運動采集、MotionControl、3D影像、Redone、阿萊愛麗莎數字攝影機等前沿技術和設備都被使用到了教學實踐當中。新的攝影棚也即將建成。

篇(4)

約訪的過程中，發現工作中在他身邊的人，都叫他“泰哥”，想必對他該是既親近又景仰吧。這令我心中更多了幾分與他見面的迫切，迫切的想要了解這位中國香港電影攝影大師，迫切的想要在與他的交流當中，解開幾代影迷對香港電影的情結，同時憧憬在香港電影與大陸電影融合時代，在他的鏡頭下，電影藝術又會怎般絢爛……

黃岳泰

中國香港電影攝影師、攝影指導，香港電影攝影師協會主席。他生長于一個電影世家，17歲入行，20歲獨立掌鏡，首部攝影作品于1976年初登影壇，至今已完成電影拍攝超過120部，與吳宇森、林嶺東、淇金寶、成龍、袁和平、許鞍華、徐克、陳德森、陳可辛等多位知名導演合作過，以往拍攝走過二十多個國家，現在駐足最久的還是祖國大陸。曾經9次獲得香港電影金像獎最佳攝影獎項，也是第一個三連冠的金像獎得主。在第27、28、29屆香港電影金像獎上又創造了第二個三連冠。金像獎主席文雋講過，“香港現在一半以上的攝影師都是黃岳泰的徒子徒孫”，黃岳泰在業內的地位由此可見一斑。

部分代表作品

2010《十月圍城》第29屆香港電影金像獎最佳攝影、第10屆中國長春電影節最佳攝影獎

2009《畫皮》第28屆香港電影金像獎最佳攝影

2008《投名狀》第27屆香港電影金像獎最佳攝影

2004《戀之風景》第23屆香港電影金像獎最佳攝影、第9屆香港電影金紫荊獎最佳攝影獎

2002《幽靈人間》第21屆香港電影金像獎最佳攝影

2000《紫雨風暴》第香港電影金像獎最佳攝影、第36屆臺灣電影金馬獎最佳攝影獎

1999《不夜城》第18屆香港電影金像獎最佳攝影

1998《宋家皇朝》第17屆香港電影金像獎最佳攝影

1983《夜驚魂》第2屆香港電影金像獎最佳攝影

有些意外的是，這次采訪竟然被邀請走進了黃岳泰先生的家。前廳最引人矚目的就是那一面擺滿獎杯獎牌獎狀還有各種工作合影的展示架，不禁嘆服，一個人花了半個人生努力做一件事，而且還做到這樣的水準，該擁有何等的天賦與執著？

采訪剛剛開始，黃先生就坦言自己從未接受過專業影視教育，出身電影世家的他，從小讀劇本長大，同父親在片場看戲、品戲，耳濡目染地讓他對電影拍攝有了自己獨特的見解。

1973年，一代功夫巨星李小龍憾然離世，在70年代中后期以華人功夫片為代表的電影熱潮仍持續升溫，無數懷揣功夫巨星夢想的年輕人紛紛踏入電影圈、走進片場，希望實現自己的明星夢想。此時的黃岳泰也是其中之一，然而自幼習武的他，選擇去做了邵氏旗下一名普通的攝影助理，為未來成為電影攝影師植下了深厚的根基。

攝影師需要自我風格嗎？

“一部電影本身就是一種藝術風格的載體，電影攝影師和照片攝影師最大的不同就是，你需要以實現導演的藝術表達為主旨，籍以呈現電影自身應有的風格。”黃岳泰的這番話，道出了他從影多年來的守則。

黃岳泰認為，攝影師的個性化風格雖然是一種符號性很強的參考標準，但這種潛移默化養成的風格，反而會成為束縛他思路和創造力的枷鎖。電影攝影師可以在某些鏡頭中結合自身的藝術積累，拍攝出非常唯美的鏡頭畫面，但并不能為了單一追求美而將此作為攝影工作的根本重心。電影拍攝的題材類型多種多樣，各種類型的影片需要不同手法、不同解讀方式去表達、去呈現，這也是他在攝影師學會（香港專業電影攝影師學會HKSC）一向不提倡攝影師在拍攝工作中過于突出個人風格的原因所在。

黃岳泰從不拒絕新的電影種類，功夫片、文藝片、恐怖片、科幻片、喜劇片他都拍過。“如果僅是從自己以往拍攝的同題材作品中取經，那就很難突破或者創新。接到新劇本的那一刻，都應該從一個新的角度去思考。”這正是他所倡導的攝影師理念精髓。

攝影師與導演配合的關鍵？

1982年，他憑借《夜驚魂》第一次獲得香港電影金像獎最佳攝影獎。談到這部電影，他感觸頗深，因為這是他第一部獲獎作品，但這部電影總共換了5位導演，“每位導演都有自己獨立的人生觀、價值觀，他們對電影的結構點、劇情推進、畫面把握都有著完全不同的訴求標準，而作為攝影師，接到新劇本的那一刻，都應該從一個新的角度去思考。只能盡最大可能地去配合每一任導演完成他們的所形所想，僅此而已。”

尤其是在配合像王家衛、陳可辛、杜琪峰這樣具備鮮明個人風格的導演時，黃岳泰認為讀懂他們往期的作品、了解劇本在他們心中的樣子至關重要，此時需要進行的溝通和互動往往決定影片最終的呈現質量。“如果你的攝影風格很強，那么當遇到同樣風格強勢的導演時，這種風格往往會成為影片拍攝的障礙，但同時也并不是去讓你去對他們曾經的作品進行簡單臨摹或復寫。不同導演即便在同一類型影片的創作中也會給出不同的想法，而這些想法也會在畫面視覺上為你打開新的思路。”

攝影師有哪些前期準備？

在電影圈這么多年的叱咤，黃岳泰說他工作最根本源動力還是自己的個人興趣，對電影攝影的赤誠之心。但要做到出色，當然不能單單依靠興趣。電影是門藝術，導演、演員、美術、攝影、服裝師，這些是電影風格構成的五要素，攝影師除了與導演要有交流，與其他主創也需要互動。“讀過劇本之后，在開機拍攝之前的一段時間里，我會對場景做一個大概的輪廓描繪，這個描繪過程不是封閉的，而是和導演、主創團隊進行溝通和互動。往往在開機拍攝前一天，這些概括化的影片輪廓會一條條生動地浮現在我的眼前，到勘景和復景過程中，更多新的構思也會隨著進程的推進涌現出來。”

除了自身的準備，黃岳泰還會應用一種工作方式，就是每個主要演員都配有走場的替身，這些替身大都是剛剛從影視學校畢業的學生，還有就是立志要做大明星的職業臨時演員們，如此入行的演員當中，不乏后來成為大明星的人。替身演員需要時刻記住自己所替演員的走位、對白、手勢動作、布光等要素等進行試戲。而劇組的燈光、導演、服裝道具等工作人員也相當于進行一次預演，正式演員則可在這個時間段里完成化妝和造型，待替身演員完成這套走戲流程之后，正式演員可以直接融入預先準備好的拍攝環境中，高成功率地一條通過。

也有其他的方式。比如他會建議導演在拍攝現場，讓演員暫不化妝更衣，先在現場走戲，進行預磨合，以一個輕松的方式讓演職人員進入狀態，而往往在這個過程中也會給導演帶來更多的火花。“現在東方導演與歐美導演比較，在對演員的尊重方面較過往已經有了很大的進步，東方導演不再自恃擁有至高無上的權利，不再不斷的親身示范給演員如何表演，而是給予演員更多表演的創作空間。”

數碼時代對攝影師意味著什么？

數碼和膠片在攝影師以及攝影愛好者眼中幾乎是兩個相互割離開來的藝術領域，至今仍有不少膠片時代的擁護者們對數碼制作的影像心存抗拒，對此，黃岳泰卻有著他完全開放化的觀點。

從膠卷年代跳躍到數碼年代，到底給電影行業帶來了些什么？這是近些年來仍然頗受關注的大話題。黃岳泰在上個世紀基本都是拍膠片過來的，而自2001年開始，數碼世界發展飛速，僅一兩年當中已經出現了非常多的數碼設備，并快速而大量地被投入到商業電影拍攝之中。“我非常幸運，在2001年參加了哥倫比亞（電影）公司在美國舉辦的一個教程，并親自帶了香港的5個攝影師去學習。學成之后回來向香港政府申請資金開設了一個類似的培訓學會，而后開始對香港攝影師進行全面培訓，讓他們根據自己所需要的拍攝方向學習新的數碼拍攝設備的使用。”之后黃岳泰在2003年拍攝了第一部好萊塢作品《奪命紫羅蘭》，也是哥倫比亞公司第一部數字拍攝電影，而他亦由此成為亞洲第一位進行數字電影拍攝的攝影師。

“膠片對電影的貢獻在經過100年后已經基本完成任務了，現在拍攝膠片電影的成本非常高，從制作膠卷、沖印、制作拷貝等等工序上，比數碼拍攝昂貴太多。”黃岳泰認為數字攝影意味著一系列的便利，從感光度、光比、色彩以及畫面色調風格等諸多方面，都給了電影創作更多自主把控與發揮的空間。談及如此激烈的話題，他卻顯得很輕松。“我的工作是拍攝電影，而不會糾結用什么工具，膠片是舊時代的工具，當有更好的工具替代它時，我自然會敞開懷抱選擇接受。”

投資高達5億人民幣的《封神傳奇》在7月29日正式在全球五個國家同步上映，全片2000多個鏡頭中只有15個鏡頭是完全沒有特技效果的實拍場景，足以見得拍攝工作的挑戰性與壓力。比如影片殺青那天Angelababy（楊穎）的拍攝，一個攝影棚里分四個拍攝區域，十二小時內需要拍攝完成一百五十六個鏡頭，打破了黃岳泰從業以來的最高紀錄。提起創作過程，黃岳泰有些激動：“我對這部片的付出很深，如此高強度的拍攝任務和演員團隊的配合、后期特效制作規模，真的是代表了華語電影在行業規模上的成熟度，通過幾十年的積累，能夠躋身華語電影行業的頂級班底，的確是一項值得感恩的殊榮。”

“人生的體驗是不能簡單靠工作的積累獲得的，有些甚至既寫不出來，也很難讓別人感受得到，因此個人堅持學習、沉淀，保持敬業心以及領悟力，才是長久之道。不拒絕更好的改變，就是電影人應有的‘風格’。”

聽罷黃岳泰先生的此番金玉良言，我想，香港電影的黃金時代并未走遠，我們更不必抱有太多懷念，因為中國電影正步入一個更加融合又多元的――大時代。

篇(5)

我熱愛制作電影中的技術部分，它是藝術與科技的碰撞。

我的意思是，我對謝爾蓋·愛森斯坦提出的問題很感興趣，如“對于觀眾來說，一個鏡頭與另一個鏡頭之間有什么聯系？”這類問題，舉例來說，如果鏡頭從一個人轉向一碗湯，那么觀眾會認為這個人餓了。我對此非常著迷，不同的影像排列順序會給觀眾留下不同的印象。如果重新排列順序，那么觀眾將看到完全不同的劇情，你可以用相同的影像講述不同的故事。對于我來說，這就是電影制作的科學——與其說是攝像機的運用，不如說是電影語言的運用。

將我的首部作品《鬼玩人》放到今天來拍，過程也不會輕松。

沒錯，現在的攝像機更靈敏，但我們需要燈光來營造恐怖場景。所以我們還是需要與先前相同的設備來制作同一效果。我們采用Super 8mm進行拍攝，攝影機很輕，比起如今更先進的攝影機也毫不遜色。

我想對立志拍電影的人說：走出去，立即著手投身拍攝事業。

今天就開始寫劇本，然后用幾天時間拍攝，嘗試進行簡單的布光，并指導演員們表演，晚上再熬夜剪輯。完成后第二天就向家人或朋友等觀眾展示你的電影作品。 聽取他們對作品的評價并加以改進，要是效果有所欠缺的話，就要重新剪輯，重新拍攝，重新沖印，反復嘗試直至得到更好的效果。作為電影制作人，你就得這樣。你不能等待誰來教你如何成為電影制作人，你不能坐等機遇，只能日益提高自己的水平。

為了學習如何拍攝3D電影，我也得經過類似的過程。

我很想把3D效果應用到《魔境仙蹤》，把觀眾帶入L·弗蘭克·鮑姆所創造的世界中。但我曾經看過令人感覺不太舒服的3D電影，所以我得琢磨如何將3D電影拍得更棒。基本上只能是從干中學，因此我會嘗試不同的照明和攝像機系統，最終找出我哪里弄錯了，其他電影制作者又在哪里弄錯了，在不斷嘗試的過程中，我的3D攝影師、電影攝影師和編輯們給了我很多幫助，幫助我糾正各種錯誤，這樣我才能打造出有趣而愉悅的3D體驗效果。

篇(6)

作為《富春》的視覺特效總監，查克曾拜師《沉默的羔羊》導演羅杰?科曼（Roger Corman）名下學習電影特效技術，出山后便參與了包括成龍的《尖峰時刻1》在內地眾多中國觀眾耳熟能詳的經典電影的后期制作。在隨后興起的3D技術的發展浪潮中，他更是參與完成了一些重量級電影，如《大白鯊 3D》、《死神來了5》以及3D技術的巔峰之作――《阿凡達》的3D設計和監督工作。在談及和《阿凡達》導演詹姆斯?卡梅隆（James Cameron）的合作時，查克驕傲地說：“卡梅隆的第一份工作就是我給的他的。當時他在我的片場里做些小模型。所以每次我們倆發生強烈爭執時，他都會看在多年交情的份上忍住自己的脾氣，通過和我一起打壁球來發泄。”

在視覺特效領域浸已久的查克在工作上自然有著苛刻的要求。“我的團隊一直秉承著相當高的制作標準，我要求他們在電影的制作中保持一個動態的進步過程。在我看來攝影師對于一部優秀的3D電影是至關重要的環節。一個優秀的攝影師在2D平面的拍攝過程中會有意識地根據光線及各種參數來調整自己，從而獲得更好的景深效果，這樣一來我們后期的3D轉換就會相對容易一些；反之，如果在拍攝2D場景的時候景深本身不夠的話，無論后期的3D技術有多完善，轉換的效果也不會很好。所以我在制作《富春》的時候對攝影環節的要求格外嚴格，最終的成品也基本達到了好萊塢一線3D電影的要求，我十分滿意。”查克講到自己拿手的技術環節自然是十分興奮，“當然了，無論是2D還是3D電影，情節都非常重要，如果情節很糟糕的話再好的3D效果也是拯救不了這個電影的；如果電影本身情節引人入勝，再配上過硬的3D制作技術，最后的成品也會更令人滿意。這方面中外都有很多好的例子，中國的3D電影像《富春》和《畫皮2》在我看來都是非常棒的。《富春》雖然還沒有上映，但我當然覺得我的作品是無可挑剔的；”查克像個孩子一樣笑了，“至于《畫皮2》，我雖然沒有看過3D版本，但就我在飛機上看到的2D版本來說，這是一部很好的魔幻片。”

隨著3D電影在中國觀影人群中的普及，很多普通觀眾都對3D制作技術有了初步的認識。大部分觀眾都認為由2D電影后期轉換而來的3D電影和由3D攝影機直接拍攝的3D電影在觀影質量上會有差異。對此查克解釋道：“其實這兩種3D電影的制作技術現今都已經很成熟了，如果后期轉換技術質量過硬的話，普通觀眾是看不出二者的區別的。比如去年非常火爆的《泰坦尼克號》3D版本就是一個成功的例子。《富春》已經是一部非常成熟的2D電影了，再加上世界級的轉換技術，相信最終的3D成品一定會讓大家滿意。當然了，這也是我這次中國之行的終極目的，我相信我的團隊和我的技術能力。”查克信心十足。

查克還從專業角度為我們和普通影迷科普了一些攝影術語的正確含義，例如“拍攝（Film）”一詞在業內中實際上指代的是膠片攝影時代的畫面拍攝方式，而如今數字化的攝影技術采用的錄制方式更準確地說應該是叫做“捕捉（Capture）”；此外，電影從業人員在提及“三維（3D）”這一概念時多指的是處于“二維平面”中的“三維圖像”，但是，人們平時所說的“3D電影”中所采用的更加逼真、具有景深的立體圖像在業內卻被稱為 “立體三維（Stereo 3D）”。

篇(7)

F35索尼數字高清電影攝影機

在日本最大的專業視音頻設備大展――Inter BEE　2007上，SONY了F35數字高清電影攝像機。它采用與35mm膠片同尺寸的35mm全幅單板式CCD，能夠幫助用戶取得更加優秀的淺景深效果。它的可變幀率能力，讓用戶能夠以1fps到50fps的幀數來進行拍攝和記錄。F35配置了PL鏡頭卡口，可使用現有的大多數35am電影攝像機的光學鏡頭，也可安裝多種電影攝像機配件，如安裝板、遮光罩和跟焦裝置等。

新型攝像機F35沿用了F23的人體工程學設計以及“電影攝影機式”外觀設計。例如sony的SRW-1高清數字錄像機可直接安裝在它的頂部或尾部，無需在攝像機和錄像機之間進行繁瑣的電纜連接。單獨的機身重量只有5kg這大大提高的電影拍攝時的手持靈活性，當加人記錄單元SRW-1后，整體重量也只有9kg左右。

此次的F35不進行批量生產，只進行接受訂單后的訂貨生產。其價格非常昂貴不加記錄單元的單機身售價將達到約233萬元人民幣。若是配置一支定焦電影鏡頭，一支變焦電影鏡頭，再加4:4:4的記錄系統，估計價格將接近450萬人民幣。

FED數字電影影攝影機

2006年的NAB RED公司公布的RED ONE攝影機無論從性能還是價格上都叫大家大跌眼鏡，2008年的NAB，RED公司更加出人意料推出了5K分辨率的EPIC數字電影攝影機。5K的EPIC數字攝影機采用全畫幅超級35mmMysterlum X CMOS傳感器拍攝可變幀頻1～100fps可調最高100MB／s數據記錄速度將REDCODE RAW或者RGB記錄在REDFLASH上。同時EPIC還配備了HD-SDI和HDM數字輸出以及兩路xLR音頻輸入接口，滿足更多專業的制作需求；同時FireWire 800和USB2.0的接口也同時具備。EPIC采用全鋁合金機身，重量約為2.7kg。這款數碼攝像機也將在2009年上市，據稱價格為30000美元。

同時RED公司還適時的推出了3K分辨率的SCARLET數字攝影機，它隨機標配有很多基本附件供用戶使用。SCARLET主要參數為：2／3英寸Mysterium X感光元件，1～120fps(峰值可以達到180FPs) 最高100MB／s數據記錄速度，4.8英寸LCD顯示，光圈為T2.8的8倍變焦鏡頭，全自動和全手動拍攝模式，HDMI、HD-SDI、FireWire 800、USB 2.0接口，WiFi控制，可以使用絕大多數RED攝影機配套附件。這款數碼攝像機將在2009年上市，據稱價格約為3000美元。

數字電影攝影機

ARRIFLEX D-21數字電影攝影機是阿萊在電影攝影機領域多年的經驗和領先的數字技術相結合的結晶，既符合了傳統膠片領域電影導演和攝影師的工作習慣，又充分結合了數字“所見即所得”和更加便捷經濟的后期處理等優點。從外形看，阿萊公司為D-21打造了更接近傳統電影攝影機的外觀，而機身重量僅為8.6kg D-21具有很高的動態分辨率和電影般出色的色彩、對比度表現能力，與現行電影配件都可以兼容。D-21采用了單片超級35mm尺寸的CMOS圖像傳感器配合PL標準卡口的鏡頭，為畫面提供了與膠片電影同樣的景深效果。在HD模式下可以記錄20～60fps在DATA模式下可以記錄20～30(16:9)或者20～25fps(4:3)。ARRIRAW使D-21可以利用HD-SDI或者dual link HD-SDI輸出無壓縮的RAW格式：也可以同時或者單獨輸出高清無壓縮的HD信號，便于和現有的其他高清設備相兼容。這種靈活性使得D-21可以適應不同的制作需求和經濟預算。